«Это история про личный бренд и концепт»: эксперты — о самых дорогих и провокационных арт-объектах

Ив Кляйн «Калифорния»

Одно из самых дорогих полотен, созданных в XX веке, — «Калифорния» (1961) французского художника Ива Кляйна. Картина размером 2 × 4 м выполнена краской синего оттенка — International Klein Blue (IKB 71), запатентованного Кляйном в 1960 году.

В ноябре 2025 года Парижский аукционный дом Christie's продал картину за €18,4 млн, цена стала рекордной для художника. На стоимость картины повлиял тот факт, что Кляйн был одним из наиболее заметных новаторов послевоенного европейского искусства. Его подход к материалу и цвету изменил язык современной живописи, объяснила в беседе с RT искусствовед, программный директор ярмарки современного искусства «Арт Россия» Лариса Удовиченко.

«Для Кляйна синий цвет был гораздо больше, чем просто оттенок. Художник отмечал, что синий является метафизическим переходом к безграничности, находится за пределами измерений, в то время как другие цвета — нет. Полотно отражает ключевой момент в жизни художника — открытие арт-сцены Калифорнии и новый виток карьеры Кляйна. Но «Калифорния» (IKB 71) — это не только географическая привязка, это место, где море, небо и свет сливаются в единое целое», — отметила Удовиченко.

• Ив Кляйн «Калифорния» (IKB 71)
• © Christie’s

В свою очередь, арт-продюсер, автор блога «Почему это шедевр?» Ева Габулова напомнила в беседе с RT, что Кляйн был известен перформансами, которые стали феноменом не только для изобразительного искусства, но и для философии.

«Кляйн — человек, который продавал пустоту, превращая в искусство сам жест и идею. Вся его жизнь становится искусством, и любая работа, исходящая от такого человека, с трудом может быть названа профанацией. Это всегда провокация, но не пустой хайп, а радикальное художественное высказывание, неотделимое от его фигуры», — подчеркнула Габулова.

Дэмьен Хёрст «Физическая невозможность смерти в сознании живущего»

Не менее известна инсталляция британского художника Дэмьена Хёрста «Физическая невозможность смерти в сознании живущего». Это труп тигровой акулы, погружённый в формальдегид в стеклянном контейнере. Арт-объект был создан в 1991-м как первая работа из серии «Естественная история». В том же году «Физическая невозможность...» была продана за £50 тыс. А в 2005-м работу перекупил инвестор Стив Коэн, заплатив за неё около $12 млн.

На самом деле акула была не одна. Из-за неправильного хранения состояние первой хищницы со временем начало ухудшаться. Художнику пришлось заменить старую акулу на новую, более дорогую и крупную. 

• Дэмьен Хёрст «Физическая невозможность смерти в сознании живущего»
• © James Leynse/Corbis via Getty Images

«Акула в контейнере не движется, не пугает напрямую. Это символ, который отсылает не к реальной угрозе, а к идее страха и красоты одновременно», — пояснила Габулова, добавив, что речь идёт о постмодернистском произведении искусства.

Феликс Гонсалес-Торрес — «Без названия (Америка №3)»

В 1990 году американский художник Феликс Гонсалес-Торрес создал серию световых инсталляций. Так, работа «Без названия (Америка №3)» представляет собой гирлянду лампочек, которую можно каждый раз вешать по-новому. В 2024 году «Без названия (Америка №3)» ушла с аукциона Christie’s за $13,6 млн.

«Феликс Гонсалес-Торрес — художник, чья практика полна философских и социально-культурных тем. Автор работает с культурологическими, социальными и экономическими вопросами, включая тему перепроизводства, а также тему распределения ролей между наблюдателем и наблюдаемым. Он как бы показывает, кто наблюдает за самими наблюдателями. Всё это он делает невербальным языком, демонстрируя сложные идеи через инсталляцию», — рассказала Габулова.

• Феликс Гонсалес-Торрес «Без названия (Америка № 3)»
• Legion-Media
• © Efren Landaos/Sipa USA

Высокая стоимость его работ — результат рыночного феномена, когда любая вещь, вышедшая из-под руки признанного мастера, автоматически возводится на пьедестал. Это болезнь современного арт-рынка — гиперболизация значимости имени художника относительно содержания его работы.

«Это похоже на историю с премиальными брендами, когда лейбл раскручен настолько, что почти любое изделие становится безумно дорогим только из-за логотипа. Люди платят не за сущностную составляющую работы, а за ауру имени», — отметила Габулова.

Энди Уорхол «Смерть и катастрофы»

Серия «Смерть и катастрофы» художника Энди Уорхола мало напоминает растиражированные работы автора в жанре поп-арта. При этом произведения из цикла «Смерть и катастрофы» очень высоко ценятся коллекционерами, искусствоведами и критиками. Работу над этой серией художник завершил в 1963 году. В основе каждого произведения — вырезки из газет, на которых запечатлены места катастроф или преступлений. Одна из таких работ, «Серебряная автокатастрофа», включает изображения последствий автомобильной аварии. В 2013 году произведение было продано за $105,4 млн. А в 2022-м другая работа из этой серии («Белая автокатастрофа») ушла на аукционе Sotheby's за $85,4 млн. На картине представлены 19 повторяющихся чёрно-белых фотографий автомобиля после аварии. 

• Энди Уорхол «Смерть и катастрофы»
• © Hendrik Schmidt/picture alliance via Getty Images

По словам Евы Габуловой, смысл работы строится вокруг феномена серийности и повторяемости — как и более известные широкой аудитории произведения поп-арта с изображением Мэрилин Монро, актрисы с трагической судьбой.

«Смерть тоже серийна и повторяема. Уорхол показывает цикл бытия: каждый, кто рождается, в конце концов умрёт. Множество столкновений, переживаний смерти, умираний, множественность переходов в другой мир — всё это растиражировано им на холсте», — отметила эксперт.

Джефф Кунс «Кролик»

В 2019 году на аукционе Christie's скульптура Джеффа Кунса «Кролик» (1984) была продана за $91,1 млн. Работа выглядит невесомой, хотя отлита из стали, потому что поверхность тщательно отполирована. Высокая цена скульптуры объясняется не только уникальностью объекта, но и статусом самого создателя: Кунс считается одним из самых успешных американских художников.

Как объяснила в беседе с RT искусствовед, основатель экосистемы «Артократия» Марина Альвитр, «Кролик» Кунса — знаковое произведение, которое ознаменовало важный поворот в истории искусства. Когда Кунс делал своего «Кролика», главенствующим направлением был минимализм — закрытое интеллектуальное течение. Минимализм предлагает убрать всё лишнее и обратиться к структуре произведения искусства, чтобы создавать скульптуры, которые работают с пространством через геометрические формы и отражения. Минималисты предлагали проникать в суть вещей и явлений. Кунс взял за основу садового зайчика — своеобразный пример китча, низовой культуры, которой чужды интеллектуальные усилия, — и создал на этой базе минималистическую работу.

• Джефф Кунс «Кролик»
• © AP Photo/Seth Wenig

«Кунс соединяет низовой, китчевый вкус с высокими минималистическими формами. Объединяет то, что, казалось бы, нельзя объединять, и за счёт этого становится интересен», — подчеркнула Альвитр.

Жан-Мишель Баския Untitled, El Gran Espectaculo (The Nile)

Жан-Мишель Баския, скончавшийся в 1988 году в возрасте 27 лет, — один из самых дорогих и востребованных художников современности. Его работы регулярно устанавливают рекорды стоимости на мировых аукционах. Так, в 2017 году на Sotheby’s была продана картина Untitled 1982 года за $110,5 млн.

В 1983-м Баския создал полотно El Gran Espectaculo (The Nile) размером 172,5 × 358 см. На аукционе в 2023 году картина ушла за $67,1 млн.

Большинство его самых дорогих работ относятся к первой половине 1980-х — ключевому периоду в творчестве Баскии, когда он окончательно сформировал свой узнаваемый стиль, объединяющий граффити, примитивизм и экспрессионизм. Высокие цены на работы художника объясняются не только уникальностью его холстов, но и признанным статусом Баскии в мире искусства.

• Жан-Мишель Баския Untitled, El Gran Espectaculo (The Nile) 
• Legion-Media
• © John Angelillo

По словам Габуловой, Баскии повезло: его заметил Энди Уорхол. Художник начинал как автор уличных граффити, и именно Уорхол ввёл его в профессиональное арт-сообщество. При этом важную роль сыграл и исторический контекст.

«В США на тот момент ещё оставалась острой тема расовой сегрегации, которая постепенно выходила в публичное обсуждение. Баския — чёрный художник, работающий в эстетике наивной живописи и примитивизма, со своим визуальным языком, самообученный в логике правополушарного рисования — чистого творческого потока», — отметила Габулова. 

Маурицио Каттелан «Комедиант»

В 2019 году на выставке Art Basel Miami Beach итальянский художник Маурицио Каттелан представил провокационную работу под названием «Комедиант». Это был обычный банан, приклеенный к стене с помощью серебристого скотча. В ноябре 2024 года одна из версий «Комедианта» была выставлена на аукционе Sotheby's в Нью-Йорке. Итоговая сумма сделки составила $6,2 млн, покупатель получил не только банан, но и свидетельство подлинности произведения, а также право воспроизводить объект — приклеивать новые бананы. 

• Маурицио Каттелан «Комедиант»
• © AP Photo/Eduardo Munoz Alvarez

По словам Марины Альвитр, работа Каттелана «Комедиант» — одно из самых противоречивых произведений современного искусства, вызывающее споры и среди профессионалов.

«Даже плохое произведение искусства может очень многое нам рассказать о мире и о нашей жизни. «Комедиант» показывает, что важна не материальность объекта, а идея, сертификат и внимание к художнику. Искусство перестаёт быть вопросом обладания физическим объектом — это история про личный бренд и концепт», — отметила эксперт.

Искусствовед также подчеркнула, что Каттелан лишает произведение искусства традиционной материальности: физический объект существует лишь номинально — банан можно менять, мультиплицировать, он живёт «здесь и сейчас». Альвитр сравнивает концепт с популярными NFT-картинами, в которых ценность также переносится с физического объекта на алгоритм идеи и внимание коллекционеров.

Трейси Эмин «Моя кровать»

В 1998 году британская художница Трейси Эмин переживала тяжёлое расставание. После длительного периода апатии она наконец встала с кровати и огляделась вокруг. Её взору предстала комната, заваленная смятыми простынями, пустыми бутылками, окурками и мусором.

Личные переживания стали основой для инсталляции «Моя кровать». Впервые её показали публике в 1999 году на выставке премии Тёрнера, и работа сразу вызвала бурную реакцию: одни видели в этом хаос, другие — автопортрет художницы и крик души.

• Трейси Эмин «Моя кровать»
• © AP Photo/Alastair Grant

В 2014 году работа была продана на аукционе Christie’s за $4,3 млн, закрепив за Эмин репутацию одной из самых провокационных фигур британского современного искусства.

По словам Ларисы Удовиченко, «Моя кровать» демонстрирует ценность обычных предметов, помещённых в нужный контекст. Инсталляция позволяет увидеть значимость того, что многие могут посчитать обыденным. Предметы необязательно должны быть уникальными, редкими или дорогими, чтобы нести смысл. 

«Именно это прямолинейное использование предметов, через которые воспроизводится хроника конкретного момента жизни, делает инсталляцию поразительной», — отметила эксперт.

Почему так дорого?

Ценообразование в современном искусстве остаётся одной из самых спорных и обсуждаемых тем. На первый взгляд кажется, что стоимость работы должна зависеть от материалов, размера или сложности исполнения, но на деле не всё так просто.

• © Alexi Rosenfeld/Getty Images

Как объяснила в беседе с RT искусствовед, бывший руководитель ГМИИ им. А.С. Пушкина Елизавета Лихачёва, сочетание субъективного и социального факторов делает современный рынок искусства уникальным и непредсказуемым.

«На покупателя может влиять мода, личное пристрастие, желание соответствовать трендам или войти в определённый круг. Объективной причины, почему Баския стоит миллионы, а не меньше, не существует», — отметила эксперт.

Лихачёва пояснила, что цена формируется известностью художника и его востребованностью на рынке, а также личными предпочтениями покупателей и (в некоторых случаях) влиянием кураторов. Даже материалы, из которых создано произведение, играют второстепенную роль. Поэтому попытки строго определить объективную цену произведений современного искусства обречены на неудачу.